EtiquetasYnetiquetas

Siendo políticamente correcta, diré que lo de las etiquetas me marea ya.

En el mundo de la música, actualmente hay tanto manoseo de etiquetas que hasta los propios músicos dudo que sepan qué terreno pisan.

Por poner un ejemplo la mismísima new age actual no es ni por asomo lo que generó en su momento en los 80. El minimalismo, del cual hemos hablado ya, el propio Philip Glass declaró que nació y murió en el 63, pero siguen saliendo músicas minimalistas.

Y ya si nos metemos en temas electrónicos ( con la escuela alemana, la belga, la holandesa...) llega un momento que no sabes si presentas música electrónica dark o industrial o electrónica gótica medieval (que la hay, dicho sea de paso).

En el artículo anterior, paseando por el gótico, no pretendía dar clases a nadie, sólo poner los grupos o solitas que he escuchado actualmente y me han gustado y he ido a sus páginas web para buscar información, la que os puse según los propios músicos.
Para remontarme al renacimiento estoy yo!.
Pero fijate tu, siempre sale alguien que dice ‘uy no, esto no es tal sino tal de tal’.

Esto me hace pensar lo que tantas veces hemos hablado en el chat. ¿Tanta necesidad y concreción del género para qué sirve? ¿Realmente necesitamos saber el género cuando vamos a algún centro comercial a adquirirlo? ¿Existe alguna tienda que coloque cada grupo-compositor en el sitio que corresponde? ¿El vendedor es tan sabio que sabe de todos los géneros y subgéneros que surgen cada día? ¡Porque al vendedor me lo pido para reyes, vamos!.

Tenemos la necesidad de etiquetar las cosas, hasta la música lo más correctamente posible. Perfecto. Pues para los que necesitamos de esa información también exijo mi ‘netiqueta’ de no nombrar los géneros si no lo pone en su web explícitamente, ea. Tampoco los compro si no están en su debida estantería con nombrecito claro y por supuesto que el comprador sepa de lo que hablo cuando lo pido. Puestos a ser serios... ejem!

Etiquetas, ainsss... mi única etiqueta es mi piel, si algo me emociona, me hace sentir o me hace estar atenta hasta el final de una composición es lo que me vale. Las demás etiquetas... me marean. Es más, como dijo alguien, lo que para unos es una cosa, para otros... otra.
Yo con cuatro genéricas me apaño. Disculpen mi ignorancia.

Ya lo dijo aquel famoso que nunca recuerdo el nombre, jó!
La vida sin música etiquetada sería un error... o algo así.

Ah sí! ¡Isaac, lo dijo Isaac¡ por cierto ‘me pido papa’, ¡ea!

Pd. Sin acritud por dior.

Paseando por el gótico

Dentro de las ‘etiquetas’ o géneros que podemos encontrar, el gótico medieval-etéreo-neo clásico, que cobra fuerza día a día entre nosotros.
Básicamente formado por buenas voces y ambientes oscuros o tristes, con notas bajas que dan fuerza en las composiciones.
Entre estos géneros me gustaría destacar cuatro que he descubierto recientemente.

Mirabilis. Su primer trabajo ‘Pleiades’ . Grupo gótico-neoclásico, formado por Dru Allen ( de la formación This Ascensión) y Summer Bowman (The machine in the garden).
Sus voces son lo más importante en su trabajo. Llevan todo el peso del CD, mientras que los instrumentos, en algunas ocasiones sólo tocan tres notas repetidamente. Por lo tanto, la melodía queda a cargo de las voces. Un trabajo interesantísimo e innovador donde podemos viajar a través de diferentes períodos. Música melódica y rica con toques de clásico, dark wave, etéreo, todo ello englobado en género gótico.

Chandeen, grupo de origen danés, género gótico etéreo. Después de anunciar su retirada de este género con Echoes, siguen con nuevo trabajo y yo diría que se han alejado mucho de el, entrando más en el pop. Chandeen fundado en el año 1990 por Oliver Henkel y Harald Löwi, con la voz de Aline Akbari ( de orígen iraní) , la cual entra en la banda en el año 91 y a la que más tarde seguiria Anke Schulz.
Su música nos ofrece sonidos etéreos y alternativos dentro de un género new wave-electrónico. Ahora afincados en Alemania Chandeen es uno de los grupos más reconocidos en éste país por su sonido.

Stoa, grupo etéreo y neoclásico alemán. Urthona y Porta VIII, son los dos álbumes más escuchados de este trío con una remasterización y rediseños exclusivos.
El compositor y arreglista Olaf Parusel lidera a Stoa desde su origen, en 1991, partiendo de una música y filosofía oscura, gótica y medieval, con cabida incluso para los cuentos de hadas. Además de aportar la inspiración y las programaciones electrónicas, Parusel encontraría a musas como Conny Levrov, Mandy Bernhardt, Antje Buchheiser y Christiane Fischer (también chelista) sucesivamente para ponerle voz a su idea.

Para acabar Elane. Formado por Joran Elane, Katrin, Simon, Skalder y Nico .
Su género folk gótico-oscuro donde también podemos ver pinceladas de medieval en sus composiciones. La voz de Joran Elane primordial con sonidos electrónicos acompañados de guitarras, tinwhistle, low-whistle, violines y violoncellos.

Como veis, grupos todos ellos surgidos en Alemania y que cuentan con un sonido en común, aunque las etiquetas sean variadas y de todo tipo, todos ellos nos traen recuerdos góticos del medievo con fantásticas producciones.

Philo

El minimalismo.

Hace unos días, en horario de emisión, y escuchando a Mertens, alguien hizo la pregunta del millón. ¿Qué es el ‘minimalismo’?
Yo misma me preguntaba hace tiempo por ello, la mejor respuesta que puedo dar es la que leí en filomusica, escrito por Pablo Vázquez Gómez que dice así:

“-El origen, historia/s, verdades y mentiras:

En absoluto tiene por que ser tan complicado buscar un origen para el minimalismo musical. Muchos se remontan al impresionismo, es decir, a las obras de Erik Satie y su maestro Debussy, un tanto experimentales y meditativas. Otros, sin embargo, se van directamente a la expresión contemporánea y allí citan una gigantesca cantidad de ejemplos, no muy correctos, como Morton Feldman, Anton Von Webern, Karlheinz Stockhausen, etc. Pero casi todos se ponen de acuerdo en un nombre: John Cage. ¿Y porqué? Pues por que Cage creó una pieza musical única e innovadora (pese a ser tan sencilla, a nadie se le ocurrió antes): el 4´33´´, que no poseía sonido alguno durante esa duración. La crítica se apresuró a llamarle minimalista y a postrar a su autor como el tótem de este estilo, cosa que, sin embargo, no es cierta. El propio Cage no se consideraba minimalista, ni él ni ninguna de sus obras (pese a que es una referencia clave para los músicos de la “auténtica” vanguardia minimal y los estudiosos de ella), es más, su 4´33´´, se acerca más a la anarquía que a la forma mínima, por lo que no hay ningún indicio en esta obra para clasificarla dentro de algún estilo. En cuanto a Feldman, su música intentaba reflejar una abstracción que se encuentra presente en los dibujos de su amigo Mark Rothko y en la música de Cage, Webern en absoluto admite comparación con la corriente “mínima”, ni el propio Satie, ya que su música buscaba asemejarse a “miniaturas” musicales, pero no refleja en absoluto la esencia de esta música. Con lo cual es obligación aclarar que estos autores pueden haber hecho alguna obra que parezca minimalista (especialmente los contemporáneos que vivieron el nacimiento del estilo), y que hayan sido “inspiradores” de este término para los críticos o aficionados, pero no para los músicos del movimiento. Es muy improbable, entonces (como se verá después) que la partitura minimalista haya salido de algún entorno serialista, ya que la vanguardia minimal nació como un rechazo de este estilo.

Primero, aclaremos el término.
Mucho antes que en la música el minimalismo existía en otras disciplinas, tales como arquitectura, moda, pintura, performances, etc. que comenzó con el manifiesto del arquitecto holandés Mies Van der Rohe “Less is more” (Menos es más), aunque en música la mayoría de las fuentes (y compositores) citan a Michael Nyman como el acuñador del término en su etapa como crítico. En esto difiere Philip Glass, uno de los músicos considerado fundador y de los pocos que hoy en día predica con esta corriente, que se lo aplica al músico (y, durante un tiempo, articulista en el Village Voice) norteamericano Tom Johnson.
Esta es la definición de minimalismo (sacada de su página web) de este último, que, aunque cita, al igual que su homólogo inglés, ejemplos que poco tienen que ver con la música minimal, se ha convertido en una de las más fiables:
La música minimalista es una categoría extendida y diversificada que incluye, por definición, toda la música que funcione a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de güisqui. Ello incluye las obras que sostienen un simple gruñido electrónico durante largo rato. Las obras exclusivamente constituidas de grabaciones de ríos o cursos de agua. Las obras que evolucionan en ciclos sin fin. Las obras que instalan un muro estático de sonidos de saxofón. Las obras que implican un largo lapso de tiempo para evolucionar de un tipo de música a otro. Las obras que abarcan todas las alturas posibles a condición de que estén comprendidas entre do y re. Las obras que reducen el tempo hasta dos o tres notas por minuto.Quizás las formas mas antiguas de minimalismo o de reductivismo son en realidad de artistas visuales como Malevitch y de otros adeptos al suprematismo en Rusia y en Polonia, o bien de Mondrian, que trabajó algunos años más tarde en Holanda, con un mínimo de colores y de formas. O incluso de la escuela de minimalismo en la escultura, que , en el curso de los años cincuenta en Nueva York, usa las formas simples de cuadrados y cubos. Artistas como Sol LeWitt y Carl André pertenecen a esta corriente.Las Vejaciones de Erik Satie, con sus 840 repeticiones, y la pieza silente de John Cage, 4'33", constituyen dos primeros ejemplos musicales, a pesar de que este punto de vista no fue extensamente adoptado hasta los años 60 y 70, cuando puede ser observado en numerosos lugares, con la influencia clara de las artes visuales. Los bordones del americano La Monte Young, la serie de Presque rien del compositor francés Luc Ferrari, los motivos repetidos del americano Terry Riley, las texturas diatónicas simples del estonio Arvo Pärt, las composiciones estáticas del compositor polaco Tomasz Sikorski y los cánones rigurosamente circulares del húngaro Làszlo Sàry no son más que algunos ejemplos de la producción de numerosos compositores que han escogido desde esta época explorar el microcosmos en vez del macrocosmos.Ciertos autores han escrito "minimalismo" con una M mayúscula, y han declarado que es la invención de un compositor en particular, de una escuela o de una nacionalidad, pero el término deberá ser considerado como una categoría general, como la "multimedia" o la "música por ordenador", más que como un estilo específico.
Nyman, sin embargo, empleo el término para designar a músicos como Terry Riley y otros. Muy recomendable para comprender su aplicación es la entrevista suya con Philip Glass en 1.976 , donde, para definir lo que él entendía como minimalismo en música, aplicó un escrito de Sol LeWitt (“Párrafos sobre el Arte Conceptual”) con otro de Steve Reich (“La música con tanto que proceso gradual”). También es única la antología de textos recogidos por La Monte Young y su esposa Marian Zazeela en “An Antology”, de 1.962.
Ahora bien, el origen de la partitura sigue siendo discutible, pero puede percibirse muy claramente. El minimalismo nace con la vanguardia americana de mediados de los 60, los ya nombrados Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y La Monte Young. Todos ellos han nacido a mediados de los años treinta, tienen tras de sí una amplia formación académica, han trabajado juntos (caso de Riley y Young o Glass y Reich), rechazan el serialismo europeo de la época y, más que en la propia música del estándar clásico, encuentran la inspiración en el clasicismo étnico (por ejemplo: Glass tomó las músicas hindúes de la mano de Ravi Shankar y las aplicó a su propia partitura; La Monte Young bebe del teatro japonés; Reich adoptó ritmos de Ghana, Costa de Marfil y Bali; Terry Riley se remite a los compositores vanguardísticos europeos y al jazz, él y Young son discípulos del hindú Pandit Pran Nath; junto al “supuesto” minimal John Cage, que profesaba el budismo zen y su filosofía).
El minimalismo se basa (su composición) en la repetición del material más básico de una obra, sea éste rítmico, melódico,... junto a otras características: vuelta a la tonalidad, simplificación de las formas, empleo privilegiado de los elementos de percusión, etc.
Por lo tanto, cabe por fin aclarar términos ya y definitivamente diciendo que, minimalistas, solo son los músicos americanos que cambiaron las ideas desafiando al serialismo, como los ya nombrados (Riley, Glass, Reich, Young), junto a otros que, si bien no han dedicado su música a este estilo, si saben lo que realmente es debido a su labor (musicólogos, críticos, etc.), y han hecho obras (aunque solo sea una pieza, o un disco, como muchos de ellos) para acercarse a este movimiento por que lo conocen profundamente, es decir, aquellos que forman el que se podría llamar minimalismo “de intención” (Wim Mertens, Michael Nyman, John Adams, Penguin Cafe Orchestra), porque buscan este estilo intencionadamente. A partir de ahí, todo lo demás es francamente muy dudoso, ya que se ha pasado por una etapa donde se pretendía llamar minimalista a todo aquello que tuviera una repetición en su partitura o que no tuviese una melodía claramente identificable, y no se debe confundir el término minimalismo (aplicado a la música) con mínima expresión.

Bien, a lo que íbamos: ¿cuándo comenzó el minimalismo musical escrito? fácil respuesta. La partitura que se consideró totalmente en este estilo y que fue la que inspiró a los 2 únicos músicos que siguen hoy en día manteniendo esta vanguardia “con pesquisas” (que son Glass y Reich) fue el “In C”, de Terry Riley. Surge en 1.964, como reacción contra la atonalidad académica de esa época. Según Riley, la obra está escrita para “un número indeterminado de instrumentos melódicos”. Así, sobre un pulso constante, que va acompasado con el del corazón humano, cada músico toca una secuencia de 53 motivos, repitiendo cada uno un número no determinado de veces. El instrumentista decide en la interpretación cómo relacionar su parte con las restantes. Consigue una multitud de combinaciones sonoras en la cual los ritmos están en constante cambio, y que puede durar eternamente. Riley, que no sabía lo que acababa de descubrir, dijo de el “In C”: “está música nos ha enseñado un nuevo sentido del tiempo”.

-De América a Europa, los principales del movimiento:
El movimiento minimalista, como bien se ha visto, nació en los EEUU, a pesar de que su creación tiene una parte intrínsecamente europea (surgió, como se ha explicado, por reacción al serialismo de la escuela alemana de Darmstadt), y al término se le discute su autoría a un inglés, como es Nyman.
Vamos a cifrar a los autores más destacados de cada bando.

En América:
- La Monte Young y el sonido multiétnico:
Se define a sí mismo “como una apocalipsis sin principio ni final”. Su obra “Dream House” es un proyecto de permanencia, y su sistema tonal está fraccionado en microtonos al estilo hindú y oriental, reposando en la repetición de un grupo de notas que generan frecuencias armónicas de un único tono. Para él, la función de la pieza repetitiva es, básicamente, no representar nada fuera de si misma. Es el menos conocido de todos, sus discos son un casi imposible de conseguir, y su música se puede tachar como la más complicada y radicalista del movimiento minimal, pero de lo más interesante y distinta. Basta como ejemplo la obra “1960 nº 7”, que se articula en dos notas, si y fa, y tiene una única indicación en la partitura: sostener la nota durante “mucho tiempo”. O en “1960 nº 10”, en la que se pide al intérprete que “dibuje una línea recta y la siga”. Su obra (en este caso plural) más importante es “The tortoise, his dreams, and journeys”, iniciada en 1.966 , concebida dos años antes para que sonase indefinidamente en las antes nombradas “Dream Houses”, las casas de sueño diseñadas para su representación por el propio compositor y su esposa.

- Philip Glass, o la eterna fidelidad de un genio:
No es el iniciador, como ya se ha dicho, pero para muchos es todavía más, ya que es de los pocos que se iniciaron y no ha abandonado totalmente el movimiento, además de que sus notas siguen resultando originales. Considerado el “abuelo” del minimalismo por aficionados y compositores (ante la “espantada” de Riley, que podía haber sido reconocido más justamente de no haber cambiado de estilo, o la reclusión de Young) que lo veneran y se inspiran en él para componer estructuras, es el más prolífico con diferencia. En su caso, su música está aplicada a un proceso rítmico a las líneas melódicas, lo que le proporciona continuidad y un sinfín de vibraciones regulares, que entrelaza los módulos establecidos. Su obra progresa en una sola línea (”Music in Unison”), y va hacia paralelos desplazados (“Music in fifth”, “Music with changing parts”, “Contrary motions”). Considera que la música debe ser escuchada como un puro sonido que pasa, ya que la concibe como una experiencia del tiempo diferente. Su obra (minimalista) más importante es “Music in twelve parts”, de 1.976.

- Steve Reich, el más depurado:
Paradójicamente, es el autor que más obras tiene de vanguardia y que puedan considerarse plenamente de estilo “minimalistas”, y que también sigue en activo aunque ha bajado su ritmo de composición considerablemente. Para él, lo que debe caracterizar al proceso musical es que una vez creado marche por sí mismo, y así, la música es un proceso lento y gradual que debe escucharse cuando se genera. La importancia del timbre en este autor y minuciosos tonos modales se rigen en obras como “Piano Phase” (1.967), “Phase Patterns”, o “It´s gonna rain” (1.965), claves en la evolución minimalista, y sus estudios vanguardísticos en grabaciones como “Different trains” (1.988). Sus obras más importantes son “Music for 18 musicians”, de 1.976 (que, tal como su nombre indica, está creada para este número de músicos, que por aquellos años constituían la Steve Reich Musicians), y “Clapping music”, de 1.972, donde solo se oyen cuatro manos que palmean con regularidad y forman una melodía.

- Terry Riley, la pérdida de ilusión:
Con cierta retórica ecologista, fue el iniciador de la corriente y la partitura minimalista, pero, más tarde, su música sufrió un revés inexplicable que le ha llevado al desprestigio y del que parece estar recuperándose. De realizar el “In C”, ha acabado relacionado con la música electrónica tecno y otras variantes, pero no se puede olvidar esta obra, ni que gracias a ella la música cambió, ni sus relaciones con el Kronos Quartet, ni sus comienzos (“A rainbow in curved air”, “Song for the ten voices of the two prophets”, etc.) que ya han creado historia.

- John Adams, entrada tardía pero muy válida:
También de formación académica prestigiosa (Harvard, donde se graduó Cum Laude en Música y Composición), director durante años del Conservatorio de Música de San Francisco, estas relaciones, junto a la de otros artistas, le sirvieron para sacar obras como “Nixon in China”, de 1.987, que hicieron subir su fama como la espuma. Pero, su obra más representativa en el minimalismo es “Harmonielehre” (1.985), donde intenta seguir la música repetitiva basada en una armonía tradicional, utilizando la forma de una gran orquesta sinfónica.

En Europa:
- Michael Nyman, la arrogancia escenificada:
Reputado autor de BSOs (que es a lo que prácticamente se ha dedicado desde que conoció al director Peter Greenaway), antes de empezar en este campo, cabe destacar su especial estudio de la música folklórica rumana, sus libretos de ópera, y, sobre todo, su carrera como crítico, que le impulsaron al status “minimal”. De su música, se pueden citar obras como las BSOs de “El contrato del dibujante”, de 1.982 o “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” de 1.989, como aquellas que poseen cierta carga psicológica y que respiran el aire de la partitura mínima, pero que están muy asentadas en estilos musicales anteriores, ya que de todos los europeos es el que más relaciones establece con la música americana, que la considera única en su contexto. Así pues, como compositor minimalista tiene poco que decir, ya que con la mayoría de sus obras que no son para filmes (“The kiss and other movements” de 1.985, etc.) ocurre, al igual que con los “presuntos” minimalistas ingleses, que, en su afán por unificar el arte y sus etapas, se acercan más a otros ismos, como el expresionismo o el romanticismo, pero no al minimalismo propiamente dicho.

- Gavin Bryars, una obra mayor:
Gavin Bryars tiene en su haber una de las mayores obras representantes del minimalismo europeo, y de las únicas del Viejo Continente que se pueden adscribir con todo derecho a este estilo, que es “Jesus blood never failed me yet”, de 1.974, y que consiguió plenamente acertar con la forma que sus otros compañeros no consiguieron concretar. En ella se oye la voz de un vagabundo repitiendo esta frase continuamente, lo cual parte de un documental de Alan Power, donde Bryars, que ayudó a su amigo a hacer la mezcla, hizo un loop con una parte de la canción y fue introduciendo progresivamente distintos instrumentos, creando así una voz repetitiva, única, que caló hondo en las conciencias de quienes han compartido su escucha. Se le puede otorgar, perfectamente, el título de obra cumbre en el minimalismo europeo y lo que éste quiere representar.

- Wim Mertens, musicología aplicada sin caer en la pedantería:
Admirador de Reich, Glass, Nyman, escritor de un libro clave para comprender la vanguardia norteamericana (“American Minimal Music”, 1.980), su música surge a principios de los 80, creando un estilo que, basándose en la circularidad sonora, desmarcándose del americano, es mucho menos árido y agradable de escuchar, lo que favorece también a las ventas. Debido a esto, su obra se ha querido encauzar a otros estilos con los que nada tiene que ver, al igual que con otros compositores, por parte de pésimos críticos y falsos periodistas que pretenden con ello ganar dinero fácil. Su principal obra es “Jérémiades” (1.995), en la que utiliza su propia voz acompañada del piano.
Cabe decir, como ya se ha repetido antes, que este movimiento no pudo calar muy hondo en Europa debido a la mala unión que se hizo con otros géneros, pero hay un puñado de músicos que también hay que tener en cuenta, y que, aunque no formen parte del estilo clásico propiamente dicho, si han tenido relación directa con él y lo practican. Uno de ellos es Brian Eno, famoso productor, que ha aplicado la técnica minimalista a sus composiciones electrónicas, consiguiendo buenos resultados, y que ha trabajado con Glass.

En España:
El minimalismo (como el resto de vanguardias sonoras) tuvo poca presencia en España, pero alguna bastante importante. Como, por ejemplo, Eduardo Polonio, que participó en el estreno mundial de “In C”, y que estudió en Darmstadt junto a Stockhausen, tiene importantes obras como “Para una Margarita Ronca” o “Rabelaisiennes”.
El valenciano Llorenç Barber también intentó la experimentación por medio de las obras de La Monte Young, como el singular concierto para campanas “Tintinábules”.
Y en Barcelona, surgirían músicos como Carles Santos, importante por su música diferente a toda cuanta se está haciendo en el país y que sigue de plena actualidad con su último disco, “L´adeu”.

-El minimalismo en la actualidad:
Hoy en día, algunos (los más desorientados) citan una tercera generación, la formada por músicos como Geoff Smith, etc. Otros defienden el estilo e intentan modernizarlo llamándole “rock de cámara” (¿?), englobando autores como Goudé, Tiersen, etc., aunque muchos no se merecen, desde luego, esa horrible denominación. Otros predican el llamado postminimalismo o minimalismo feliz, y que engloba una serie de grupos belgas, franceses y holandeses que intentan seguir el estilo de la Penguin pero que nada tienen que ver con la corriente minimal.
Como bien dijo Nyman, el minimalismo hoy en día ya no existe, desapareció cuando los respectivos fundadores fueron cediendo el paso o cuando abandonaron su dedicación exclusiva para probar con otros estilos (caso de Riley), o dedicarse a un campo musical diferente. Por lo tanto, hoy puede que muchos músicos sigan experimentando con la estructura minimal, pero no son lo que en aquellos tiempos fue el auténtico sonido minimalista, lo que no les hace perder su interés y su mérito, aun así.
De todos modos, cabe tener el minimalismo como algo importantísimo y, si de hecho es hoy en día cuando por fin se empieza a valorar, fue por que gracias a él se acabaron las aburridas composiciones de casi tres siglos de música tonal y se callaron las bocas de los más ignotos (compositores y aficionados), musicalmente hablando. Con lo que es muy recomendable escuchar música de Nyman, Mertens, Glass, etc., para descubrir que la música clásica y la vanguardia nunca mueren. “

Si has llegado hasta aquí no dudo que gustas del minimalismo y te interesa el tema. Espero que te haya sido de ayuda o de mera información curiosa. Agradecer a Pablo Vázquez Gómez, guionista y articulista de Filomúsica este articulo que apareció en su edición numero 25, en febrero del 2002 en su edición por internet.

Que paseis buen día. :-)

Philo

Porque sí

Porque lo necesitamos.

Porque lo necesito.




Gracias :)

Philo

Lostfrontier sampler7

Y van siete!

A las doce de la noche se lanza el Sampler7 de Lostfrontier. Desde hace un tiempo se nos regala la posibilidad de descargar algo con calidad para nuestros oídos, no os lo podéis perder.
Con esfuerzo se pueden conseguir cosas que casi parecen imposibles, aunar en un cd a compositores de la talla de David Anthony Clark, Paul Mounsey, Mars Lasar, Priscilla Hernández... entre otros. Todo esto contando con el producto gratuito y con los permisos de los compositores, un gran trabajo que cuesta lo suyo!. Ponerse en contacto con el autor, contarle el proyecto y que éste acceda a ceder un tema.

Podría comentaros todo el contenido del sampler7, pero prefiero que sea una sorpresa para vuestros oídos. Esa sorpresa es gratuita, por tanto, prefiero que así sea.

Vaya mi enhorabuena tanto a Javier Bedoya, como a Manuel Lemos y Jorge Sergio, artífices todos ellos de este proyecto que cada día cobra más fuerza entre las comunidades que gustan de el material que nos ofrecen.
Me siento tremendamente orgullosa de contar con ellos en la emisora, su constancia, su tesón son para mi una referencia. Ellos me enseñan cada día cómo se forma un buen locutor de radio, manteniéndome informada, mostrándome novedades y presentarlas con la pasión que se siente cuando uno sabe que su contenido es bueno, es fiable. Me dan confianza.

Aconsejo a todos que escuchéis Sampler7, luego me contáis .

Recomendable.

Philo

La voz.

¿No os ha pasado alguna vez que vuestra mente se bloquea cuando escuchais por primera vez una canción?

El tema es de Lisa Gerrard y ejerce ese efecto en mi. Profunda, inquietante, nostálgica, elevada, intensa... muy profunda.No desvelaré hasta ésta noche qué tema me ha producido tal estado.

Es como un bloqueo interno, como si mi cuerpo me pidiera estar sólo por el tema que suena, percibir todas las notas y no perderme un sonido. Me quedo mirando a un punto fijo y nada existe, sólo ese tema y yo.

Todo permanece quieto, hasta el tiempo, incluso escribir me cuesta horrores. Y pongo ese tema una y otra vez, disfrutandolo a cada segundo. Me envuelve una nostalgia rara, una quietud interior que ha veces me asusta, un no existir pensamiento alguno. Me dejo acunar por la melodía. Me pide escribir pasados unos minutos.

"La tempestad se ha vuelto calma. Donde antes había nubes ahora luce el sol y una brisa que agradezco. Las olas van muriendo en la arena indicando el final de su viaje, para recular y volver a la esencia.

El horizonte marca mi límite, no veo más allá. La lluvia ha empapado mi cuerpo. Sólo me permito esta quietud, necesaria, nostálgica y me dirijo hacia el centro de mi misma. El horizonte marca el límite.

El sol seca lentamente, y me mantengo de pié ante el para facilitar su tarea. Mientras, mi vista alcanza a ver una barca allá a lo lejos. El aire mece mi pelo. El mar me susurra y mi respiración me da sal.

Cierro los ojos y la paz me envuelve. Nostálgica, agradable, sentida, bendita por el instante de las decisiones.

Es hora de volver a casa.

Doy media vuelta y emprendo mi camino."

Jordi Lluís Rigol

Compositor, pianista y director, Jordi Lluís Rigol nace en Barcelona y realiza su formación musical en la misma cuidad, en Mallorca, Inglaterra y Holanda. En Amsterdam estudia dirección de orquesta, coral y piano en el Sweelinck Conservatorium. Es autor de cantatas para coro infantil y conjunto instrumental que fueron estrenadas en Barcelona y de obras corales como la Misa Brevis, el Aleuia, Pater Noster y Magnificat.

Su trabajo creativo con el piano ha quedado grabado en los cd's Entre Miralls (1998), Mínim (2000) Seda (2004). Ha participado en el festival de Teiá y actuado en diversos escenarios.

Actualmente participa como organísta en el espectáculo LLum i Mistèri ( luz y misterio) en la Basílica de Sta. Maria del Mar de Barcelona, interpretando su música.

Esta es una breve introducción al trabajo que hoy me gustaría recomendar.

Hace unos días, mi gran amigo y periodísta musical Albert Reguant ( Planeta música TV3) me recomendó este trabajo. Dada la experiencia y el buen hacer de Albert, no dudé ni un segundo.

Ayer en el programa de radio pude presentar a este magnífico compositor, Jordi LLuís Rigol, en dos de sus trabajos, Seda y Mínim ( Mínimo).
El trabajo Seda es apasionante, composiciones minimalistas con una gran carga emocional, apasionadas y localizables en las manos de este gran compositor.

Los que vivíis en Barcelona teneis la enorme suerte de verlo en directo en el espectaculo arriba mencionado, como organísta. Una servidora, desde luego, si pasa por Barcelona pronto, os asegura que no se perderá dicho evento.

En Mínim está la fuerza introspectiva de Jordi Lluís, momentos plasmados en composiciones marcadas por los cambios de ritmo, el intimismo y la explosión de color, mostrándonos visiones panorámicas, ostinato, dramatúrgia, la luz, la playa solitaria, después de la lluvia... danza sóla, una ejecución impresionante frente al piano, majestuosa y llena de sensibilidad.

Qué quereis que os diga, partiendo de la base que a mi el piano me apasiona, me resulta impagable el hecho de encontrarme con un compositor de esta altura y conocimiento. Verlo en directo sería fantástico.

Un trabajo para quitarse el sombrero. Los que gusten de Mertens, tened a buen seguro que este trabajo os llenará el alma. Os lo aseguro. Espero pronto conocer a Jordi Lluís y darle las gracias personalmente por su trabajo.

Por cierto, todos aquellos que querais tener su trabajo tendreis que buscar bien. Si no lo encontrais ya sabeis, poneros en contacto con una servidora y os facilitará los datos. Encantada de hacerlo.

Altamente recomendable.

Buenos días a todos. :-)
Philo

Marcomé (Canada)

Llega mi lunes alegre, sí, ya sé que muchos de vosotros encontrais el lunes el peor día de la semana. Para mi ya hace mucho tiempo que el lunes me encanta, siempre me han resultado muy productivos los lunes, que le vamos a hacer!. Es el principio. Asi lo veo, como el principio de una nueva semana, algo que empieza, y que por lo tanto, debo poner toda mi energía.

Este fin de semana me escribió Laurie, desde Canada, una oyente de la emisora que me recomedaba que escuchara a alguien de su país. Lo hice.

WOW!

En el programa de hoy lunes, en la emisora, os presentaré el trabajo de Marcomé.

Cantante y compositora (también a los teclados, arreglos y programación). Su experiencia como ingeniera de sonido le da una ventaja única sobre otros artistas que trabajan en el género de música instrumental y ambiental, al dominar el camino del estudio de grabación y ser capaz de experimentar a menudo y extensamente, conducida por su intuición y dedicación a su arte acompañada de su curiosidad implacable, todo impulsado por su incuestionable trabajo.

Marcomé ha colaborado con varios artistas reconocidos mundialmente como son Diana Krall, Le Cirque du Soleil, Yes, Pat Metheny, Tom Waits... etc.

Su voz es su autenticidad, me han dicho que es como escuchar el mar en la voz de Marcomé, una voz pura y fuerte. Una reverb y time delay justo para acabar de mostrar su voz etérea. En su trabajo 'River Of Soul' nos encontramos toques de música árabe (como en el tema Arábiga), paseos por africa, momentos de chill out, guiños al jazz, pero sobretodo impecable y muy viajero, alerta al tema 'Nostrie Tiempo', dieciseis minutos de respiro para el espíritu.

Marcomé escogió a Michel Robidoux (Robert Charlebois, Leonard Cohen) como su co-productor y Ian Terry como su ingeniero del sonido. Con ellos consiguió la fusión de sonidos del Este con algo de jazz y sensibilidades de música ambientales, anclándolos con percusiones de world music.

Un trabajo muy ambiental. Novedoso, fresco, emotivo, alegre, etéreo, un sonido capaz de adentrarte en el pensamiento más bello, o bien dejarte llevar con los ojos cerrados. Me quedo con la descripción anteriormente hecha, es como escuchar el mar, como adentrarse en un viaje oceánico y oler la sal, que te golpée la brisa fresca de la mañana, que te acúne el oleaje emocional, que te llena de energía, esa energía que dices waahhhhhhhh!! que bien este aliento para el espíritu.

Un buen trabajo para empezar este lunes.

Buenos días a todos. :-)
Philo

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Hay notas que sabes que te acompañarán el resto de tus días. Están dentro de esos temas atemporales, que pasan toda clase de estaciones y permanecen.

Hay melodías suaves y acompasadas, que te lanzan a un viaje imprevisto, lleno de sorpresas y con la sonrisa apunto de nieve, melodías perfectas, que lucen impecables sus colores y su textura, melodías en las que sabes que nada puede decepcionarte, las que no fallan nunca. Las hay percusivas y rasgadoras que te congelan los sentidos y tan sólo te permites mantener el oído alerta esperando el cambio para que te atrape y sucumba tu cuerpo, y un escalofrío recorra todo tu ser, fundiéndote en ese clímax, melodías también perfectas, de las que vas a buscar la reacción expresamente, para que te muestre la emoción que plasmó el compositor al ejecutarlas.

Las hay de muchos tipos , permanecen y conviven juntas, cada una en su lugar, formando un todo. Imprescindible cada una de ellas en su momento adecuado.

La vida sin música sería un error.

Sí.

Definitivamente.

Sí.

A Olga

Se suspenden tus muñecas para comprobar el tacto suave de tus dedos frágiles, en notas que rozas. Golpean tus silencios profundos destilando aromas de niñez ocasional en toque casi miedoso, en el instante de la única tecla.
Elevas el sonido bajando los dedos y su rapidez te hace ser etérea entre el aire que respiras.

Tu cuerpo frágil permanece sentado ante la belleza que emanas, mas... imagino tu mente expandiendo colores de la vuelta atrás en el tiempo, esa vuelta que no existe más que en sueños, pero que hace sobrevivir en forma de fantasía, a la que me llevas cuando correteas por esas calles blancas y negras mostrándome tu agilidad y tu talento en la forma más bella para mi, en la forma más bella para ti, tu libertad.

Mientras correteas con tus dedos mis ojos no paran de seguirte y mi sonrisa se muestra admirada ante ti. Avanzan en el camino que tú les mostraste y obedecen a tus impulsos bellos aprendidos tiempo atrás en el ahora.

Sigue avanzando, sigue, no pares ni temas a lo que viene, no detengas tu fuerza en un empeño imposible, adelanta el sonido, hazlo crecer y luego muéstramelo, como haces ahora, con sus silencios, con su calma, con su increscendo y su pasión, todo ello ahora... que es lo que importa.

Aquí me tienes, agarrada a tus notas, mirando tu fragilidad, contemplando tu belleza, convirtiéndome en tecla contrapesada al compás de tus dedos.

Aquí me tienes, admirándote. :-)

Philo

Concierto Alidan

Sábado, las siete de la tarde y en el centro de Madrid nos esperan yorssi, olon, Pablo y un acompañante más (aghhh!! no recuerdo su nombre) para tomar un tapeo e irnos de concierto.

Las nueve, nos dirigimos a la Sala Fax donde a las nueve y media empezaria el concierto .

Una sala no muy grande un ambiente muy cálido y todo montado para que Alidan nos deleitara con su último trabajo 'Into the spiral' donde nos habla del calentamiento global del planeta.

Alidan nervioso, raro sería que no lo estuviera, por dar todo lo mejor de el, y la gente de la sala esperando a que iniciara el concierto con una copichuela en la mano.

El trabajo nos presenta temas como Hydroform o Every Tear, muy visuales todos en un ambiente espacial electrónico de calidad.

Alidan explico cada tema a los presentes, lo que mostraba con sus composiciones y haciendo un inciso diré que al ser tan visual el concierto, lo mejor era disponer de un fondo con diapositivas para sumergirnos más aún en las composiciones, pero la sala quizas no permitía este hecho, habrá que apuntarlo para otra ocasión.

Lo positivo es el encuentro y el disfrute de este tipo de actuaciones, que, a la vez que enriquecen y satisfacen al compositor, nos enseñan y dan más oportunidades de saber que se cuece en este país con respecto a la música electrónica. La afluencia de medios de varias partes del país que tratan la electrónica como 'a última fronteira' (Vigo), 'Articmist' ( Burgos), 'La frontera perdida' (Barcelona) 'En el aire' (Madrid) y 'gtrsynth' (BCN) . Y la presencia de unos pocos del foro de NM.

Lo negativo, casi resulta evidente, dada la poca publicidad el poder de convocatoria es bajo. Muchas salas no estan preparadas para el sonido que se precisa o los efectos que pueden ayudar al espectador con imágenes al ser música que invita a ello. Alguna radio convencional de estas que dicen que se interesan por la cultura, ejem ..ay que tos!. Algunos del foro de NM, que siempre se les echa de menos (arriba, arriba!!!).

El concierto en sí, especial, dado que a lo mejor no escuchamos muy pronto esos temas de nuevo ( salvo un par de temas que obran en poder de algunos , jeje) por falta de discografica y distribuidor en este país que arriesgue con ello. !Qué le vamos a hacer¡

Nadie dijo que era fácil :s

Pero eso sí, si este tipo de iniciativas sirven para encontrarnos unos cuantos y pasarlo bien, oye, yo repito las veces que haga falta.

Total, para ver en la tele salsas rosas y peliculas amarillas o verdes... salimos, !ea¡

Gracias por el concierto Alidan. Un placer y un disfrute!

Priscilla Hernández-Ancient Shadows

No entiendo de música, no soy crítico musical, no se donde esta un mi o un fa. No pretendo ser objetiva, no me planteo mostrarme como alguien que ‘entiende’.

Me guío por mi piel, por mi forma de reaccionar ante un sonido, por lo que me aporta en mi estado de ánimo, por la emoción, por la profundidad o elevación de lo que me cuentan las notas que escucho; no soy perfecta en mis palabras... soy emocional. Ante todo, vaya esto por delante.
Dicho esto, expongo.

Hace unos días me llegó el trabajo de Priscilla Hernández , Ancient Shadows. Por fin!. Priscilla, cantautora, compositora e ilustradora tuvo un sueño.

Un sueño que ha plasmado en este CD con 19 temas para adentrarse en el mundo claro/oscuro de las hadas y los fantasmas ( la dualidad ), en su género gótico etéreo.

Lo primero en que una servidora se fija cuando adquiere o recibe un trabajo es el exterior; digipack, empezamos bien, colores no estridentes, la portada, sencilla, directa, dice lo justo y necesario. Abres el digipack y encuentras doble cuerpo con bandeja central. A la izquierda The Ghost ( el fantasma), derecha The Fairy ( el hada) y el CD de Priscilla entre ellos, en esa dualidad, con unas bellas ilustraciones hechas por ella misma y que te guían en el trayecto musical.

Pongo el audio y mientras voy disfrutando de los libretos que este trabajo contiene. La parte oscura, triste, rasgada, el recuerdo, la nada, el vacío. Letras cargadas con un dolor profundo e intenso, pero aún así, dejando paso a un 'tal vez mañana' en la parte esperanzadora, delicada, sonriente, melancólicamente suave. Todo ello con las ilustraciones de Pris, talentosas y con futuro, y como no con fotografías de esta bella autora.

Sonidos fantasiosos, nos relatan el miedo, el amor, la luz y la oscuridad, el desgarro apasionado de sus letras, la tristeza de algún momento amargo; todo ello con una producción digna, muy digna, mucho más que algunos trabajos que salen al mercado hoy en día. Editada con su propio sello, Yidneth , con una ilustración hecha por ella misma, que ya querrían para sí muchos. No puedo obviar esto.

La calidad vocal de Priscilla es impresionante, oleadas de susurros unas veces, empujes de pasión en otros, nos demuestra que ha dejado parte de ella en su trabajo. Casi podría decir que ha soltado amarras y nos presenta un trabajo delicado, agradecido, arriesgado, emocionado, y cargado de ella misma. Me pongo en la piel de Pris, ilusionada por entregarse a todos con sus abrazos vocales, deseando entrar en cada uno de los corazones que la escuchan atentamente, y dejando caer besos de plumas con sus alas abiertas en agradecimiento de cada uno de sus oyentes, encandilada con la belleza que ha hecho posible que todo esto haya sido real y no un sueño para ella, a la vez que para todos.

Canciones que nos llevan a una fantasía muy real, arrastrándome la calidad sonora de todos los temas. Priscilla, voz y teclados en todos los temas, se ha rodeado de personas con una sensibilidad misteriosa para mí. Hector Corcín en las percusiones, arreglos y secuencias logra un trabajo impecable, muy cuidado y muy profesional, al igual que Carles Reig, Gaston Iungman, Ramón Mendigorri, Catherine Duc, Sebastián Teufel, Daniel Durán, Fancina y Turón. A todos ellos vaya mi enhorabuena por su calidad y delicadeza en este trabajo.

Temas como Away , The voice of the night , Nothing, Nightmare... es un sin parar de sorpresas y sonidos downtempo, gótico etéreo, angelical voices, new age.

Fuerte e independiente, así veo a Priscilla , con futuro. Mucha suerte amiga! :-)

Philo

The Hoodoo's Whisper

Soy de esas personas que puede decir que tengo muchos amigos, la mayoria de ellos, amigos hechos realidad a través de conocernos por un chat. Amigos cibernéticos que se convierten en amigos reales cuando logras por fin ese abrazo, ese contacto del cuerpo y el olor de esa persona que hasta hace poco, era sólo palabras en una pantalla.

Estos amigos, lo son tanto como los que tienes de toda la vida, evidentemente unos más que otros, pero algunos, son como si los conocieras de toda la vida; se crea un vínculo especial.

Hace poco, dos de estos amigos, se encontraron después de varios meses de hablar por internet. Uno en Vilafranca ( España ) y el otro en Utah ( EEUU ). Roger Subirana y Australis.

Debo decir que me emociona todo lo que cuentan Roger y Oscar sobre ese viaje; los paseos, las charlas, el compartir...; es muy emotivo ver que dos personas se apasionan por contar los mínimos detalles de algo casi místico: ese encuentro entre dos personas que ahora se sienten hermanos. Conozco esa sensación, ¡Uah! :-)

Como no podía ser menos, su pasión por la música, les ha hecho colaborar en un tema para explicar los momentos vivídos. Estar en Bryce Canyon (Utah).

El tema The Hoodoo's whisper me convierte en pájaro para ver el paisaje donde los Paiute (indios colonizadores del área de los valles) crean la mitología sobre los Hoodoos. Estos pensaban que los pináculos eran gente legendaria a los que el coyote los había convertido en rocas. De hecho, en lengua Paiute se les denomina los Anka-ku-wass-a-wits, que significa 'caras rojas'. Y veo a través de la composición todo el parque, con sus imponentes 'caras rojas' y allí en medio dos personas emocionándose por estar juntas, compartiendo ese momento.

Un tema muy visual, emotivo, con leyenda ( el susurro de los hoodoos), con una carga percusiva muy importante y esencial para mostrar la fuerza de los latidos, de la unión y luego entrar en calma para admirar la belleza, la majestuosidad que nos regala la naturaleza. Como envidio ese momento entre estos dos amigos, cargado de misticidad, unión, regalándonos paisajes, encuentros y miradas demostrados en este tema; ¡y cómo he llorado de alegría al escucharlo haciéndome partícipe de ello!.Gracias. :-)

La amistad no conoce distancias, ni color. La amistad, cuando es sana e incondicional es una bendición ( como bien dice Australis).

Permitidme acabar con mi admiración y todo mi amor para vosotros, amigos del chat, algunos abrazados, otros por abrazar. Tan sólo nos separa el contacto de la piel y la mirada, pero os siento igual. Amigos al fin y al cabo.

Recomiendo esta composición 'The Hoodoo's whisper' de Roger Subirana y Australis. Su primer trabajo conjuntamente y creo, que no la última. ¡Eso espero! :-)

Gracias por ser como sois.

Philo

Más o menos

He guardado mis letras para mi misma. No es justo, muchos son los que deben preguntarse ¿por qué?. Respuesta simple, es octubre.

He estado quieta, me someto a la cura de este mes pesado, agrio, largo, inevitablemente octubre me araña. Algunas caricias también están, cómo negarlo, pero el escozor de los zarpazos todavía hacen mella en mí.

Los cambios son así, nos arrastran con ellos, evolucionando -quiero pensar- y salvaguardando la energía para los días que llegarán con el fín de mes. Y a mi Octubre me cambia, me enmudece, me fuerza, me lanza guiños del aire fresco que ha de llegar, y soporíferos días de agobiante sequedad, me empapa de lluvia por sorpresa, me hace estar alerta. Cambia, constantemente, me cambia.

Muchos pensaran 'tan sólo es un mes más', ¡me alegra!, pero seguro hay un día, de un mes cualquiera, que no os guste. Tengo una amiga que no le gusta agosto. ¡A mi me encanta!, pero ella lo encuentra insoportable. Según el color con que se mire... -dicen-.

En fín, que van pasando los días y ayer, Carmen, amiga-oyente-numunita, me decía: ' Escribe algo que tienes el blog mu abandonaíto'. Razón no le falta. Y aquí estoy, pensando en lo que me he llegado a reír este mes. Creo que tengo exceso de risas.

Definitívamente... algo está cambiando este Octubre. Así sea.

De vuelta

Segunda quincena de septiembre a punto de empezar. La fecha donde acaba (casi de forma oficial), el verano vacacional, y regresamos todos a nuestra vida cotidiana, después de haber pasado con más o menos alegría un período vacacional.

Mis vacaciones lindas y tranquilas, sí.

En Barcelona, en un balneario de un pueblecito donde se está de maravilla. Playa, masajes, visita inesperada a amigos (que por suerte estaban algunos en Barcelona y a los que quiero un montón), más masajes, relax, muchas sensaciones en el cuerpo, algunas nuevas y otras extrañadas, buen ambiente y una vuelta de esas que dan miedo. Tanto pedir lluvia ha venido toda de golpe al menos en Catalunya y otras comunidades. Lo que ha caído allí es de miedo, os lo aseguro.

Creo que ya es hora de quitar las telarañas al sitio y poner cada cosa en su lugar. Al menos ese es el propósito, ya se sabe que en septiembre hasta se dice de ir a un gimnasio para ponerte en forma, intentaremos venir cada día, para que la neurona no flojee y coja fuerza, la necesaria para mantenerme en pié después de tanto masaje corporal y bienestar para el alma.

Hablando del bienestar para el alma, hoy tenia que terminar mis vacaciones viendo a Lorena McKennitt en Granada, actuando en los jardines de la Alhambra, ¿os imagináis?. No ha podido ser, lástima. Ayer me resarcí del hecho comprando los trabajos que no tenía de L. M., ¡Uaaaaaaaaaaahhhhhhhhhh! ¡Qué gozada!

Lo mejor de la vuelta siempre son los reencuentros. Y el saber que hay alguien ahí, esperándote, para contarnos mutuamente qué tal nos han ido estos días.

:-)

Puzzle matutino

Todos tenemos rutinas.

Yo misma, cuando me pongo ante el PC, lo primero que hago es leer el correo, los blogs favoritos, y algo que se ha convertido en mi vía de escape para empezar el día, un puzzle.

Supongo que a muchos os parecerá una tontería esto de hacer puzzles, pero realmente, es lo único que sé que voy a acabar en el transcurso del día, lo único que tengo como seguro de que va a salir bien, que lo completaré.

Es mi rutina para asegurarme que algo tengo seguro. Mi puzzle.

Minutos en que no existe nada más que esas piezas y yo. Cuando empiezo siempre creo que ese se va a resistir. A veces segura de mi misma, otras pensando ‘Este hoy no sale', pero siempre con la esperanza de que el caos se resuelva.
Al final, con paciencia, el caos siempre se resuelve. Te devuelve el esfuerzo con la imagen pactada para que todo vuelva a la normalidad. Todo en su sitio.

Me gustan los puzzles.

Es como si parte de mi, se ordenara con cada pieza. Son necesarios para empezar mi día con buen pié -o no- pero como dije antes, segura de que hoy he completado algo.

Curioso, también me gustan los mandalas, la obra que cuando está hecha se destruye, porque nada es eterno, nada. Tan sólo el empeño que pongas en cada momento en disfrutar de lo que haces, por mucho que cueste.

Si os gustan, por la red los hay.

Buscad jigsaws ;-)

Buenos días a todos.

Paul Schwartz

En el 2000 el compositor/productor Paul Schwartz creó un fenómeno musical con State of Grace, una colección de textos basados en tradicionales religiosos que mezclaron voces, elementos corales y orquestales con su afinidad marcada en la música ambiental.

A Schwartz le gusta que sus oyentes conecten emocionalmente con su música basada en sus propias experiencias personales.

'En El Aire' habla con el.

EEA- Paul en su página web nos cuenta que está trabajando en 'Aria4', a parte de estar también con 'State of Grace 3', cual es el trabajo que saldrá primero al mercado?

PS- En realidad ARIA4 ha sido pospuesta. Estoy acabando State of Grace 3 con Lisbeth. Estará disponible en USA en octubre.

EEA- Cuenta con grandes colaboradores: Lisbeth Scott, Groban, Rebecca Lucker...forman un circulo de amigos precioso. ¿Cómo sucede esto?

PS- Conocí a Rebecca porque fui el director musical de EL FANTASMA DE LA OPERA en Broadway, y ella era la protagonista en esa obra. Cuando empecé a grabar la primera de las ARIAs ella me vino a la memoria porque conocía que su voz estaba entre los registros clasico y pop. Lisbeth me fue recomendada por un ejecutivo del sello RCA Records, y seguimos el consejo. Lo de Groban ocurrió porque su productor, David Foster, oyó de mi trabajo y me invitó a trabajar con él.

EEA-¿Dé dónde sale la idea de las 'Arias'?

PS-Tuve la oportunidad de entrevistarme con el presidente de Profile Records, y aunque yo no tenía experiencia en la producción de grabaciones, decidí proponerle alguna cosa. La idea de ARIA me surgió cuando iba paseando desde mi casa en la ciudad de Nueva York.

EEA-Suponemos que hay más proyectos que las 'Arias', ¿Es así?

PS-Si, pero todavía no sé cuales, a parte de continuar con las series de ESTADO DE GRACIA. Estoy planeando una grabación de solos de piano para el próximo año.

EEA- ¿Cómo disfruta Paul Schwartz más? ¿Haciendo una composición suya o adaptando un clásico como las 'Arias'?.

PS-Pienso que prefiero la música original. Es más satisfactorio hacer algo totalmente nuevo.

EEA-Parece usted muy perfeccionista y místico. ¿Es así?

PS-Bien, soy un poco perfeccionista. Trabajo cada detalle durante mucho tiempo y soy muy autocrítico. Lisbeth y yo bromeamos juntos sobre esto. Cuando estamos haciendo una nueva grabación ella piensa que no podrá cantarla, y yo pienso que no podré componerla. En cierto modo es divertido. El lado místico de las cosas es muy poco específico. Dibujo ciertos mundos de sonidos, y muchos de ellos resuenan a la gente de un modo místico.

EEA-¿ Cómo ve el panorama musical actualmente?

PS-Es difícil. El negocio de la grabación está en desorden. Mucha de la música que se hace estos días no me atrae. Todo está roto. Internet y las mejoras de la comunicación asociadas han hecho posible que mucha más música sea oída en el mundo. Esto, de una parte, es algo bueno, pero de otra no es tan bueno. Hay demasiada música ahí fuera ahora, poca de ella es buena, pero la mayoría es al menos competente. Me siento sobrepasado.

EEA-¿Qué tipo de música le atrae a Paul Schwartz?

PS-Hay muchos, muchos que me gustan. Es difícil limitarlo. Podría decir: Bach, particularmente la música de los solos de violín, chelo, y teclados, ciertos artistas de ambiente inicial de jazz como Jan Garbarek y Ralph Towner. Me gusta escuchar a Steve Reich, Early Bowie, Rosy Music. Soy un gran fan de Puccini. Kruder y Dorfmeister para desconectar con una copa de vino en la mano. Davir Sylvian. Ryuichi Sakamoto.Y extrañas canciones pop de aquí y de allá. Recientemente escuché ROCK ON de David Essex de principios de los 70's. Es una canción rompedora....

EEA- ¿Que hay de sus influencias musicales?

PS-Siempre pilares sólidos. Stravisnky, Debussy, Reich, Bowie, the Floyd, Massive Attack.

EEA- Un día perfecto en la vida de Paul Schwartz sería... (vamos a soñar :) )

PS-¡¡Bueno!! Tomarme un día libre para montar en bici. Practico triathlón, incluyendo Ironman (una competición de triathlón), por lo que tengo que entrenarme mucho. Me gustan los largos paseos por el campo. He hecho un intento de venir a España durante un tiempo para hacer senderismo en las grandes montañas de los Pirineos.

EEA- Sabe usted que en España tiene un buen número de fans ¿Para cuando un concierto en este país?

PS-Me gustaría hacer un concierto en España. En particular, con material de State Of Grace: orquesta, coro y percusión. Aunque es caro. Por lo tanto, tendría que encontrar un productor motivado.

EEA- ¿Sonido acústico o sintetizador?

PS-Siempre prefiero acústico. PERO, los sintetizadores tienen una cierta textura y calidad que es única. Son un aditivo de color útil para los instrumentos acústicos, pero no sus sustitutos.

EEA- Esperamos saber más de usted y su música pronto, es muy amable. :)

PS- Gracias.

© Manuel Lemos/Philo. En el Aire.

Desde 'A Última Fronteira' En el Aire

El sábado 10 de junio del 2.006 el programa de radio "A Última Fronteira" (Roberto Vales y Manuel Lemos) en sus dos versiones (Para la radio convencional Radio Tea de Ponteareas y para la radio on-line Radio En El Aire) acudíamos a Cabanas (a 1 km de Pontedeume en A Coruña) para la presentación del nuevo (segundo) disco ( EFFFECTO FALTRIQUEIRA) del cuarteto femenino de música folk Faltriqueira.

Esta presentación tuvo como hora de inicio a las 12 del mediodía. Se produjo en un local (Cantina Do Atallo) reconstruido a partir de una vieja casa que ahora hará la vez de restaurante con unas vistas de ensueño hacia las rias altas.
Al llegar nos estaba esperando María (una de las Faltriqueira) que es la dueña de dicho local y que nos recibió muy amablemente junto a otros medios como la Radio Galega, El Diario de Ferrol, Radio Fene...Más tarde llegarían las otras tres Faltriqueira (Tere-casada con uno de los músicos de Kepa que también estaba por allí-,Ana y Carolina). Las 4 hicieron un pequeño concierto (casi completamente vocal) que a mi en varios momentos me puso la piel de gallina ¡¡¡qué voces!!!.

Cantaron varios temas de su último cd y para finalizar subieron al improvisado escenario (que no era más que una esquina del segundo piso de la casa) la mayoría de los niños que colaboraron con ellas en este su segundo trabajo discográfico que tras entregarles a cada una un ramo de flores cantaron todos juntos un bonito y emotivo tema. Cuando parecía que habían terminado y ante la petición de los que allí estábamos interpretaron el tema de Andres Do Barro "Corpiño Xeitoso", del cual se puede oír en el disco una versión con aires a lo Bossa Nova.

Después de las emociones llegaron los "pinchos" que estaban deliciosos (empanada, tortilla, cogollos de lechuga rellenos de ensaladilla, preñaos-pan relleno de chorizo -, dátiles rodeados de panceta, sangría...) y la entrevista que Roberto y yo le hicimos a Carolina y Ana. Este también fue un momento muy emotivo para nosotros porque en un principio llevábamos un guión con las preguntas que quedó en un completo olvido al cruzar las primeras palabras con estas dos maravillosas chicas (María y Tere estaban ocupadas en otros menesteres) que rebosan entusiasmo y sonrisa por todos los lados y que te hablan como si te conocieran de toda la vida. Hablamos de sus orígenes, hablamos de sus colaboraciones, y yo no pude evitar mencionarles la que tuvieron con Mike Oldfield del que me dijeron que es un hombre muy en su mundo. También hablamos de su folk fusionado con otros sonidos del mundo (Brasil, Grecia...) y de como las han recibido de bien en conciertos en Barcelona, Lisboa...y, como no todo podía ser bonito, también se quejan de las pocas ayudas que estos tipos de grupos tienen sobre todo en cuanto a medios de comunicación (lo que por desgracia ya todos sabemos).

Al finalizar le dije a María: No cambiéis nunca. No os olvidéis de vuestros principios. Ella me contestó: Te lo prometo.

(c) Manuel Lemos Muradás

http://www.faltriqueira.com/
http://www.laimaxe.com/

Euro... visión

Sí, me va a costar admitirlo, pero tengo que hacerlo, por mi bien y por desahogarme un poco.

Reconozco que he pecado, ayer vi Salsa Rosa durante casi tres cuartos de hora... seguidos!!! y eso no es lo peor, lo peor es que me gustó quien hablaba y lo que decía. Una entrevista a Jose Luís Uribarri hablando del festival de Eurovisión y de los tejemanejes del evento.

Espero que no me condenéis al ostracismo por ello.

Impresiona que alguien te hable tan abiertamente en un medio de comunicación de todo lo relacionado con la música y lo que se cuece alrededor de ella en despachos cerraditos y con aire acondicionado.

¿Qué os voy a contar que no imaginéis? Todo eso y más. Desde elecciones a dedo, o por futuros negocios, todo por las ventas o posibles promociones que puedan ayudar a que se venda rápido y más. Todo esto dejando claro que nuestras representantes no tienen culpa, y eso, por mi parte, lo tengo muy claro. No la tienen.


Uribarri no se mordió la lengua al hablar de la programación musical de este santo país. Y es que para ver algo de música en la televisión pública 'tienes que quedarte hasta las dos de la madrugada y con suerte...' - decía -.


Vale, sí, muchos músicos no tienen ganas de ir a Eurovisión, pero hay que reconocer que es una buena plataforma - tal y como Uribarri dice - para que te conozcan ya sea como autor, compositor o cantante; y que a una convocatoria le envien siete mil maquetas... cuidadín!.


Uribarri no tan sólo habló de OT's y Massiel, sino que hizo un guiño complice a todos los músicos con gran talento de este país y que no se ven apoyados, ni reciben respuestas a sus intenciones de ser escuchados, aunque sea un ratito.


!!Pero bueno!! !!Me declaro fan de Uribarri!! ¡¡¡Casi se me caen las lágrimas, que esto lo tenga que escuchar en Salsa Rosa!!!.


Eurovisión es espectáculo y tenemos que estar a la altura, acaba diciendo.


Y yo digo, mientras no se escuchen maquetas ni tengan apoyo los músicos -todos- en la cultura y por tanto, los medios de comunicación de este país, tenemos justo lo que nos merecemos.

Planeta Música (TVC)

El programa Planeta Música ofrece esta noche, a las 00.30h, un monográfico de la cantante portuguesa, originaria de Cabo Verde, LURA.

LURA es una cantante melódica que nació en Portugal en el 75, el mismo año en que las islas de Cabo verde, de donde proviene su familia, se independizaran como colónia. LURA siempre ha tenido muy presente sus orígenes y ha acabado convirtiéndose en una de las mejores cantantes en lengua criolla.

En la World Music, la voz de LURA está considerada una de las más sensuales y atractivas del momento. La cantante se ha convertido en la principal valedora de un nuevo estilo capaz de combinar ritmos populares como el batuku, el tabanka y el funana con el jazz, soul y rhythm’n’blues.

Su último trabajo 'Di korpo ku alma' ( Del cuerpo y del alma), se ofrece esta noche en el canal33 de la televisión autonómica de Catalunya, en un concierto que LURA ofreció en el teatro Grand Rex de París.

LURA esta noche en 'Planeta Música'.

:-)